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Talleres

Impulsado por el Centro Cultural España Panamá – Casa del Soldado, el proyecto Expansión Sonora, nació en 2018 con el objetivo de crear un marco de trabajo que permita fortalecer y ampliar la creación, experimentación, las redes entre quienes hacen música y arte sonoro en Panamá y la región, así como acercar sus propuestas y lenguajes contemporáneos en el ámbito del sonido o la música a un mayor espectro de público.

En este contexto, estaré formando parte la semana próxima de una serie de actividades que tendrán lugar en aquella institución, en la ciudad de Panamá: los días martes 10 y viernes 13 compartiendo el taller Paisaje sonoro: redescubriendo los espacios urbanos, en el que trabajaremos distintas herramientas para conocer las posibilidades de la práctica del trabajo de campo y la posterior edición creativa de esos registros.

El día miércoles, compartiré en el MAC Panamá [museo de arte contemporáneo], el taller Cazadores de sonidos, dirigido a niños de 8 a 12 años y pensado para sensibilizar la escucha desde una perspectiva lúdica.

Además, el viernes 13 de marzo tendrá lugar un conversatorio en el que participaremos Mar Alzamora-Rivera [pa], Maria Paula Jaramillo [co], Oscar Argote [pa] y yo, presentando los distintos proyectos en los que estamos trabajando actualmente.

El cierre del evento será con un concierto electroacústico y audiovisual en cuadrafonía, en el que habrá piezas individuales y una intervención audiovisual grupal sobre el guión experimental Dinámica de la gran ciudad, de Laszlo Moholy-Nagy (1921-22).

Las actividades son todas con entrada gratuita y apoyadas por el Centro Cultural España Panamá – Casa del Soldado, así que si están cerca pueden acercarse, ¡o compartir con alguien que pueda ir!

Muchas gracias por leer, ¡nos vemos pronto!

Expansion sonora

El año pasado, dictando un taller sobre paisaje sonoro me preguntaron si tenía algún tipo de decálogo o manifiesto para poder pensar el trabajo con paisaje sonoro en sus distintas etapas. En ese momento dije que no, que tenía ciertas premisas que me gustaba que estuvieran presentes siempre, pero que estaría bueno sistematizarlas para compartirlas como tal.
Este es el sentido de estos diez puntos, que a mi entender ayudan a asegurar un buen trabajo, ordenado desde el comienzo del proceso hasta su publicación.

1. Tener algo que contar
Es elemental tener algo que decir. Una historia, una problemática, una causa social. Esta premisa debe estar presente en cada decisión que tomemos durante el proceso de composición de nuestro paisaje sonoro.

2. Escuchar atentamente el espacio a grabar. Una buena escucha asegura una buena grabación
Entender qué estamos grabando nos ayuda a saber elegir el tipo de micrófono y su posición, las características de la toma y los niveles de grabación para no perdernos nada de aquello que estamos queriendo registrar. Debemos escuchar antes de poner a grabar.

3. Elegir el punto de escucha en función de lo que se quiere contar
Un mismo ambiente puede ser retratado desde múltiples e infinitos puntos de escucha. ¿Cuál es el que va mejor con tu historia? ¿Un punto de escucha objetivo o subjetivo? ¿Fijo o móvil? ¿Cerca o lejos? La decisión tiene que ser en pos de contar de la mejor manera posible nuestra historia.

4. Grabar pensando siempre en nuestras posibilidades de edición
Cuánto más dominemos la técnica de edición, más posibilidades tendremos de tomar decisiones a la hora de grabar: podemos no preocuparnos por algún desperfecto al grabar sabiendo que algo es reparable, ocultable o equiparable en niveles. Sin embargo, esto no implica que todo lo que sea reparable en postproducción no sea evitable.
Un buen equilibrio en esta balanza será saludable para tu producción.

5. Escuchar el material, organizarlo
Tener el material separado por tomas, por tipos de objetos sonoros, por lugares o por cualquier variable que ordene nuestro proyecto, nos ahorrará horas de trabajo en el proceso de composición.

6. Contar tu historia dejando de lado lo obvio
Las historias también pueden contarse de múltiples formas. Lo importante es saber que el público siempre puede aburrirse si lo que le presentamos es demasiado obvio, monótono o esperable. Debemos buscar la mejor forma de que la atención no decaiga en el proceso narrativo que quede implicado en la composición.

7. Editar cuidando la técnica en todo momento
Nunca se debe dejar de lado la prolijidad en el proceso de composición. El producto final tiene que ser prolijo y no tener problemas técnicos de ningún tipo.

8. Escuchar la producción a solas y después con alguien de confianza que pueda darte un feedback
En primera instancia, es fundamental estar conforme con el material que estamos a un paso de compartir.
Luego, puede ser que haya algo que se nos escape, que esté frente a nuestras orejas y no encontrarlo. Por más extraño que parezca, esto es común. Le otorga cierta frescura a esta etapa, la atención de alguien que no tenga la escucha contaminada por las horas y horas de grabación y edición que podamos tener sobre los materiales que estamos interviniendo.

9. Poner a punto si fuera necesario después de estas escuchas íntimas
¿Todos los comentarios implican reestructurar la composición? No, claramente. Pero sí debemos ser conscientes de que aquello que nuestras personas de confianza nos dicen, por algo es. Retocamos entonces lo necesario siempre buscando sentirnos a gusto con el resultado.

10. Compartir tu producción públicamente
Es el momento, a subir nuestro paisaje sonoro a las plataformas de escucha y compartirlo con nuestros colegas y gente conocida.

¿Tienen otros puntos? ¿más ideas para agregar? son invitados los comentarios
¡Gracias por leer y compartir!

Cuando hablamos de composición de paisajes sonoros estamos inexorablemente hablando de postproducción de audio o bien edición digital de sonido.
Nos encontramos frente a la computadora, con el programa de edición multipista –DAW ó digital audio workstation, en su denominación en inglés– abierto y los archivos de grabaciones de audio en una carpeta, listos para ser utilizados.
El momento del lienzo en blanco es un momento decisivo, en el que romper la inercia de la inacción nunca es fácil, pero que con un poco de método y disciplina –o indisciplina también, por qué no– podemos convertir en un paisaje sonoro de calidad.
Este texto propone algunas recomendaciones para ordenar el trabajo y no nos quedemos sin ganas en el intento.

Qué paisaje queremos
Lo primero será definir si estamos buscando obtener un paisaje sonoro real o virtual. Estas dos opciones fueron definidas por Barry Truax: el primero, como aquel que buscará desde su cualidad documental, mantener la objetividad del registro mediante una intervención mínima que asegure una presentación prolija para su posterior reproducción; el segundo, como la suma de las posibilidades de aplicación de todas las herramientas de edición existentes para permitir la expresión artística de quien está componiendo en su máxima expresión.
Estas dos opciones, a su vez podríamos considerarlas como dos extremos o polos entre los cuales encontramos infinitas posibilidades intermedias, donde podríamos encontrar por ejemplo un paisaje sonoro documental pero con una intervención final que a modo de guiño sea ficticia; un ave costera montada sobre un paisaje de estepa desértica; un golpe altamente reverberante sonando en un espacio abierto; una carreta tirada por caballos circulando en una ciudad moderna.
La elección por un paisaje sonoro real o virtual nos define las reglas de nuestro trabajo, que en el primer caso se verán limitadas por el realismo y la verosimilitud con lo que conocemos como mundo real –desde la acústica hasta la ley de gravedad–, mientras que en el segundo, el sistema de reglas es definido por el proceso creativo en sí mismo.

Escucha, orden y selección del material
Tenemos el o los archivos de audio crudos, tal como vienen de la grabadora, celular o sistema que hayamos utilizado.
En general, contaremos con audios de extensa duración en los que encontramos de forma continua, una multiplicidad de situaciones y objetos sonoros. Lo primero que necesitamos hacer es conocer en profundidad el material con el que contamos y eso lo logramos mediante la escucha. Podemos implementar el uso de planillas –en general con tiempo exacto y objeto sonoro interviniente– en donde vayamos tomando notas de ciertas eventualidades que nos llamen la atención, o bien en relación con algún objetivo que tengamos en relación a la composición del paisaje sonoro, como puede ser identificar voces, máquinas o algún sonido o situación particular. Un par de escuchas, nos familiarizarán con el material de forma tal que tengamos un panorama general del registro.

Una segunda instancia implica ordenar el material y esto nos indica que es el momento de abrir el programa de edición multipista. Si bien hay muchas formas de hacerlo, en lo particular me gusta comenzar dividiendo los clips en cuatro categorías: ambientes, efectos sonoros, diálogos y música, generando cortes sobre una copia del crudo original y llevando a distintos canales los nuevos clips de audio obtenidos de tales recortes.
Sea cual sea el programa con el que trabajemos –Logic Pro, Nuendo, Pro Tools, Cubase, Reaper, u otro–, iniciamos un nuevo proyecto y generamos cuatro canales que encabezamos con los nombres estas categorías, en los que iremos ordenando todo lo que tenemos.

Cabeceras

Como el trabajo en un programa de edición multipista es por canales, resulta muy útil tener diferenciado el material en estas categorías generales, que por supuesto, pueden y deben volverse más particulares aún en lo sucesivo del trabajo.
En esta instancia, advertimos también si todo el registro sirve, si hay partes defectuosas que no pueden ser utilizadas –típicamente viento fuerte, ruidos molestos, saturación de niveles– y nos quedamos con aquellos clips o fragmentos de clips que pensamos que utilizaremos.
Es esperable que una vez que estos clips estén categorizados sean divididos en distintos canales en el editor multipista, ya que esto es lo que permitirá trabajar con mayor comodidad en vistas del montaje que se realizará.
La lógica del trabajo por canales, implica que todos los efectos y procesos insertados en un canal se aplicarán para todos los clips de audio que estén en ese canal. Sin embargo, tenemos que tener presente que todos estos cambios se aplican al canal y no al clip: si movemos el clip a otro canal sin efectos, el audio volverá a sonar en su estado original.
En general, haber distinguido y asociado los clips según nuestras necesidades, nos ahorrará también tiempo de proceso, ya que si hicimos bien la división, los ajustes generales que apliquemos por canal en cuanto a ecualización, niveles, compresión, y cualquier otro efecto o proceso, al aplicarse a todos los clips presentes en ese canal, nos dan un punto de partida para un posterior trabajo más detallado, que puede obtenerse trabajando con diversas automatizaciones de valores, por ejemplo.
Una vez tengamos los clips separados y diferenciados en canales según el criterio que nos sea útil para trabajar, hay que aplicarles fundidos de entrada y de salida para emprolijar los cortes que hemos realizado. Pero, ¿qué son los fundidos?

Clip con fades

Un fundido de entrada es una transición inicial que se le puede aplicar a un clip de audio, respecto a su amplitud, para que su aparición no sea abrupta. Por el contrario un fundido de salida es el fragmento de desvanecimiento del mismo. En los programas de edición digital, suelen verse como líneas gruesas que están sobre el audio, tal como se ve en la ilustración que aquí arriba lo ejemplifica.
Existen distintas curvas aplicables a la intensidad del fundido, que generan distintos resultados perceptivos. Las curvas más comunes son las que generan fundidos, sinusoidales, exponenciales, lineales o logarítmicos, tal como vemos en ese mismo orden, en la ilustración de aquí debajo. 

Tipos de fundidos

Entendemos entonces que, por ejemplo, para un fundido de entrada, el proceso lleva la intensidad de la primera muestra del clip a una intensidad de -∞, mantiene la intensidad de la última muestra seleccionada y atenúa las muestras intermedias en relación a la curva elegida.
Los fundidos de entrada y salida cumplen dos funciones respecto al objeto sonoro sobre el que están aplicados: una estrictamente técnica que implica que la aparición de un sonido no genere un click indeseado; y una función estética o narrativa que nos ayuda a poner en plano o brindar cierta naturalidad al lugar que está ocupando dicho objeto sonoro en nuestra mezcla.

A su vez, la combinación de ambos fundidos se la conoce como fundido cruzado. Este puede funcionar en un mismo canal, superponiéndose el final de un clip de audio con el inicio de otro y teniendo el fundido la extensión correspondiente a esa superposición. En la ilustración vemos además dos líneas indicativas para entender cuál es la real extensión de cada uno de los dos clips superpuestos.

Crossfade mismo canal

También puede funcionar entre clips que estén en distintos canales, como fundidos de entrada y salida independientes, que pueden o no coincidir con la superposición de los clips. Esta última opción permite un mayor control del proceso, otorgando mayor precisión en las curvas de entrada y salida de los clips y la posibilidad de fundir más de dos clips a la vez, herramienta que en montajes de audio complejos, resulta muy útil.

Crossfade multipleLlegando a este punto, hemos tomado todos los recaudos técnicos para no tener problemas con la saturación de audio por la entrada o salida de un clip, como también ordenado de una manera lógica según nuestros objetivos compositivos los materiales con los que disponemos.
Estamos en condiciones de pasar a la etapa creativa del trabajo, que será abordada desde sus posibilidades técnicas en la próxima entrega.

¿Cómo organizás tu espacio de trabajo? la próxima entrega tratará sobre posibilidades y criterios de mezcla, ¡quédense pendientes!

Y como siempre, gracias por leer y compartir.

La semana que viene voy a estar en la ciudad de Lima realizando distintas actividades que me gustaría compartirles.

Los días martes 17 y viernes 20, invitado por el el Medialab de la Universidad Nacional Mayor San Marcos [UNMSM], estaré brindando el taller Paisaje sonoro: redescubriendo los espacios urbanos. Será la cuarta vez que se dicta, habiendo tenido muy buenos resultados en Colombia, Ecuador y Argentina.
El Medialab es uno de los cinco núcleos de investigación e innovación tecnológica [NIT] del Vicerrectorado de Investigación y Posgrado de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos de Lima, Perú y a la vez funciona como grupo de investigación adscrito a la Unidad de Investigación de la Facultad de Letras y Ciencias Humanas de la UNMSM.

El mismo martes por la tarde participaré de dentro de la programación de RDN Perú, contando en formato entrevista, un poco acerca de mi trabajo y de qué trata mi paso por la ciudad de Lima.

El viernes, luego del segundo día del taller de Paisaje Sonoro, estaré en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú [ENSABAP] charlando acerca de la relación entre audiovisión e inteligencia artificial, presentando el proyecto que lleva ese mismo nombre y que desde este año me encuentro dirigiendo en la Universidad del Salvador.

El cierre de todo será en Noir, el viernes 20 a las 21hs, donde compartiremos un concierto llamado La escucha en acción, junto a Oscar Recarte, Árbol, Gianni Benchich y Silvana Tello. Luego de las presentaciones hay DJ sets de Aristidez y César Aguirre.

Como siempre, les agradezco por leer y compartir.
¡Nos vemos pronto!

Lima

Los días jueves 5, viernes 6 y sábado 7 de septiembre voy a estar en la Universidad Nacional de San Juan brindando este curso de posgrado que se titula Epistemología y metodología de la investigación – creación.
Pensado para artistas, docentes e investigadores de diversas carreras artísticas –música, audiovisuales, diseño, teatro–, trabajaremos de manera intensiva sobre diversos conceptos y cuestiones inherentes a la práctica artística en relación a los procesos de investigación institucionales.
Además, con quienes estén realizando sus propios proyectos de investigación, trabajaremos implementando distintos métodos de sistematización sobre la propia práctica artística, para conseguir documentarla y volverla una fuente de la propia investigación.
Las consultas e inscripción se realizan en Posgrado de la Facultad de Filosofía Humanidades y Artes de la Universidad Nacional de San Juan [Santa Fe 205 oeste].

Además, el día viernes por la noche estaré en Patricias Espacio presentando mi proyecto Paisajes sonoros subterráneos y compartiendo concierto con Lorenzo Gomez Oviedo, artista sonoro local. Dimos por llamar al evento Paisajes irreales: vamos a construir un paisaje sonoro en tiempo real, a partir de grabaciones y objetos sonoros de los dos.

¿Nos vemos por allá? ¡gracias por leer y compartir!

Curso UNSJ

Esta semana estaré participando una vez más del Festival Internacional de la Imagen que organiza la Universidad de Caldas en Manizales, Colombia.
En esta oportunidad estaré dictando el taller “Remix. Herramientas de reapropiación para la creación sonora y audiovisual desde el reciclaje digital” en el que repensaremos las posibilidades de creación a partir de materiales pre-existentes; y también presentando en el Foro Académico una ponencia titulada Audiovisión e inteligencia artificial, que es el resultado parcial del proyecto de investigación homónimo que tengo el placer de dirigir, y que está radicado en la Universidad del Salvador.

Como siempre, si quieren saber un poquito más, en el texto hay links para seguir.
¡Gracias por leer y compartir!

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EspacioLab es un programa del Complejo Astronómico Municipal que trabaja a partir del cruce entre arte, ciencia y tecnología desarrollando actividades de formación, producción e investigación. El programa, que funciona desde el año 2011, genera un espacio de intercambio e interacción donde se problematizan y se llevan adelante proyectos de producción, formación e investigación generando encuentros con artistas visuales, electrónicos, digitales, sonoros, ingenieros, músicos, programadores, profesionales.
En este marco, estaré de visita en Rosario ofreciendo dos talleres de paisaje sonoro: uno para debatir y producir pequeñas piezas en dos sesiones de 3hs y otro orientado a niñas y niños de hasta 12 años que quieran incursionar en cómo relacionarnos con nuestros ambientes próximos por medio de la escucha.
Toda la información al respecto se encuentra en la web de EspacioLab o bien, se pueden hacer consultas e inscripciones escribiendo a proyectoespaciolab@gmail.com.

¿Nos vemos en Rosario?
¡Gracias por leer y compartir!Taller adultos

Se larga el año, y empieza en Quito.
La semana próxima, invitado por el Medialab UIO, voy a estar compartiendo algunas ideas acerca del concepto de paisaje sonoro: el lunes 18 en un conversatorio abierto y el martes 19 y jueves 21 en un taller en el que se trabajarán los conceptos más en detalle y acompañados por algunas técnicas de grabación y mezcla que permitan llevar a cabo distintas formas de producción. Para ambas actividades hay una inscripción previa en la web de la institución.
El Medialab, es un proyecto del CIESPAL [Centro Internacional de Estudios Superiores de Comunicación para América Latina] y es definido por su propio estatuto como un espacio ciudadano “que tiene como objetivo institucional y ámbito de acción promover la producción de tecnología, emprendimientos y de proyectos comunicacionales y artísticos mediante el uso de tecnologías contemporáneas y de conocimientos ancestrales para el bien común, con una pedagogía que incluye conocimientos académicos y experiencias populares; bajo una concepción de creación innovadora, colaborativa, comunitaria y libre”.
Por otro lado, el miércoles 20 estaré abriendo con dos piezas de música visual las Noches de Azares, un programa del Centro de Arte Contemporáneo [CAC] que funciona los terceros miércoles de cada mes en vísperas de la inauguración de una nueva muestra en el museo.

Hay algunos links en el texto para quien quiera seguir leyendo.
Muchas gracias por leer y compartir, ¡nos vemos pronto!

ConversatorioMedialabUIO

Se vienen las últimas actividades de este 2018 y son ni más ni menos que en el querido Eje Cafetero, más precisamente en Pereira y Manizales.
El día lunes 3 de diciembre, invitado por la Secretaría de Cultura de Pereira, voy a estar participando de los Labs de Creación con un conversatorio acerca del acto de escuchar en el contexto del concepto paisaje sonoro. Será a las 15hs en el salón de concertación del Centro Cultural Lucy Tejada de esa misma ciudad y con entrada libre y gratuita.
Seguidamente, el martes 4 a las 18hs presentaré una introducción al proyecto Paisajes sonoros subterráneos en una charla en la Alianza Francesa de la ciudad de Manizales, también con entrada libre.
Por último, el jueves 6 y viernes 7, estaré ofreciendo un taller de grabación, edición y mezcla de paisaje sonoro en Fundación Batuta Caldas. Esta actividad también es abierta a la comunidad, pero sin embargo es con inscripción previa y con un valor de $35.000. Para inscribirse, lo pueden hacer por teléfono al 8865588 ext. 101, o directamente en la sede central. El lugar cuenta con equipamiento –computadoras, micrófonos– que ocuparemos para el trabajo de los dos días.

Como siempre, les agradezco compartir y pasar la voz.
¿Nos vemos por allá?

EnTaller